넷플릭스 히트작 '3 신체 문제' 편집의 에이스, 마이클 루시오

넷플릭스의 최신 공상과학 시리즈, 3 신체 문제는 방대한 장소와 시간대, 심지어 차원을 넘나드는 수많은 등장인물이 등장하는 대서사시입니다. 그리고 이 드라마의 편집과 포스트 프로덕션도 그에 못지않게 복잡했습니다.

네 명의 편집자 (사이먼 스미스, ACE; 케이티 웨일랜드, ACE; 안나 하우거, ACE; 과 마이클 루시오, ACE)는 2년에 걸쳐 이 문제를 해결했습니다. 시리즈의 세 쇼러너인 데이비드 베니오프와 D. B. 와이즈(왕좌의 게임), 알렉산더 우(스타워즈: 클론 전쟁), 화면으로 이동합니다.

MASV는 최근 다음과 같은 100편 이상의 대본 드라마를 편집한 베테랑 편집자 마이클 루시오와 이야기를 나눴습니다. 카니발 로우, 얼터드 카본, 하우스 오브 카드, 홈랜드, 트루 블러드와 20편에 가까운 장편 영화를 통해 복잡한 프로젝트 편집의 뉘앙스에 대해 이야기합니다.

• 세 가지 신체 문제의 편집이 함께 이루어진 방법
• '퍼즐 맞추기를 좋아해요'
• 쇼에 출연하게 된 계기와 커팅 과정에 대해 설명해 주시겠어요?
• 이 프로세스는 이전에 진행했던 프로젝트와 어떻게 달랐나요?
• 원격 비디오 편집의 경험을 설명해 주시겠어요?
• 오랜 기간에 걸쳐 동일한 자료를 재작업하는 것은 얼마나 어려운 일인가요?
• VFX 세트 피스, 특정 차단 및 지형, ADR 변경과 관련된 어려운 장면을 어떻게 처리했나요?
• 확고한 대본을 가지고 제작에 들어갔나요, 아니면 매우 유동적이었나요?
• 어시스턴트 에디터와 어떻게 원격으로 협업했나요?
• 데일리부터 첫 컷까지 장면을 제작하는 과정은 어떻게 되나요?
• 동영상 편집자로서 커리어에서 이루고 싶은 또 다른 목표는 무엇인가요?
• 이것으로 마무리...

세 가지 신체 문제의 편집이 함께 이루어진 방법

웨일랜드는 2021년 11월에 영국에서 8부작 시리즈 작업을 시작했고, 2022년 1월에 스미스가 합류했지만 두 사람 모두 2023년 3월에야 프로젝트를 마무리할 수 있었습니다.

쇼의 복잡한 작업량과 무한한 수정이 이어지면서 2022년 6월, LA에 본사를 둔 루시오와 콜로라도의 하우거가 도움을 주기 위해 합류했습니다.

대부분의 경우 모두가 홈 편집 제품군에서 원격으로 작업했습니다:

• LA 팀은 서버에 연결되어 매일 그리고 컷의 상당 부분 동안 재택근무를 했습니다.
• 각 편집자는 전담 AVID 컴퓨터를 포스트 프로덕션 사무실에서 원격으로 제어할 수 있도록 했습니다. 데스크톱 이동를 눌러서 어시스턴트가 최신 버전의 시퀀스에서 작업할 수 있도록 빈을 업데이트할 수 있도록 합니다.

루시오와 하우거는 결국 2023년 초까지 프로젝트를 완료하지 못했습니다. 편집 3 신체 문제 엄청난 노력이었다고 말하는 것은 과소평가일 것입니다!

'퍼즐 맞추기를 좋아해요'

마이클과 대화를 나누면서 다음과 같은 이야기를 나눴습니다:

• 편집의 고유한 과제 3 신체 문제원격 제작자 3명의 노트를 관리하는 것을 포함합니다.
• 원격지에서 어시스턴트를 멘토링하는 그의 접근 방식.
• 끝없는 변경 요청을 처리하고 새롭고 창의적인 접근 방식을 찾습니다.
• 다음을 사용하여 편집에서 장면을 다시 작성하는 팁과 요령 추가 대화 녹음 (ADR).
• 보조 편집자 멘토링 전략.
• 장면을 자르기 위한 전술.
• 외국어로 자르기가 어렵습니다.

아직 보지 못했다면 3 신체 문제 아직, 약간의 스포일러가 있습니다.. 마이클의 에피소드 5도 주목할 만합니다, 심판의 날는 현재 시리즈 중 최고 평점 IMDB에서.

이 인터뷰는 길이와 명확성을 위해 가볍게 편집되었습니다.

쇼에 출연하게 된 계기와 커팅 과정에 대해 설명해 주시겠어요?

매우 이례적인 일이었죠. 처음에는 영국에 케이티 웨일랜드와 사이먼 스미스라는 두 명의 편집자가 있었고, 그들이 8개의 에피소드를 모두 편집할 예정이었죠. 그러다 5화에서 '나쁜 놈들 전투'라는 거대한 편집이 필요하다는 사실을 알게 된 그들은 해외로 가서 로스앤젤레스에 있는 누군가에게 이 에피소드를 맡겨야 한다는 사실을 깨달았습니다. 로테이션이 계속 유지되었기 때문에 사이먼과 케이티에게 여유를 주기 위해 제가 5화를 맡았고, 6화는 안나 하우거가 맡았어요.

결국 2023년 3월 케이티와 사이먼이 떠나면서 애나와 제가 이 시리즈를 입양하게 되었습니다. 저는 1, 2, 4, 5편을 입양했고 그녀는 3, 6, 7, 8편을 입양했습니다. 그래서 우리는 각각 네 개의 에피소드를 완성하게 되었죠.

처음에 제가 참여한 것은 기묘한 일이었습니다. 저는 포스트 프로듀서(하미드 샤우카트)에게 생일 축하 전화를 걸어 45분 동안 이야기를 나눴는데, 마지막에 그가 '시간 되세요?

네라고 했죠. 그리고 그는 이렇게 말했습니다. 3 신체 문제현재 에피소드 3, 4를 촬영 중이고 곧 에피소드 5가 나올 예정입니다. 그래서 저는 민키 스피로감독을 만났습니다. 우리는 몇 번 함께 일한 적이 있었고, 알렉산더 우를 알고 있었습니다. 트루 블러드. 그래서 우리는 함께 일했지만 여전히 데이비드 베니오프와 D. B. 와이스를 만나야 했습니다.

저는 그들을 만났고 좋은 만남인 것 같았습니다. 그러다 그냥 그렇게 됐죠. 말 그대로 주말 동안 비서를 구해야 했어요. 그래서 저는 조쉬 칼리 목요일에 재택근무를 시작했고, 월요일까지는 원격 근무를 하고 있었습니다.

일부 프리비즈 배 위에서 (장면을) 조금 찍었고 런던 피카딜리 서커스에서 조금 찍었죠. 그래서 그런 장면은 있었지만 다른 모든 장면은 그냥 들어오는 대로 찍었어요.

그래서 저희는 곧바로 시작하여 VFX 팀와 함께 작업하며 쇼러너가 큰 배 시퀀스와 소폰 시퀀스에 대해 염두에 둔 것이 무엇인지 파악했습니다.

정말 정말 많이 참여하게 되었고 22년 6월부터 24년 1월까지 쇼에 출연했습니다. 그러니까 1년 반 동안이었죠.

이 프로세스는 이전에 진행했던 프로젝트와 어떻게 달랐나요?

매우 길었습니다. 일반적인 TV 네트워크 쇼의 경우 8일 동안 촬영하고 편집자 컷, 감독 컷, 프로듀서 컷, 스튜디오를 거쳐 촬영 후 한 달 반이 지나서야 방송에 나가는 경우도 있습니다..

이 경우에는 시간적 여유가 있었습니다. 하지만 손 놓고 앉아 있는 것은 아니었습니다. 작업은 항상 시간을 채우기 위해 확장됩니다. 우리는 끊임없이 바빴고 끊임없이 재작업했습니다.

이러한 특정 프로듀서의 작업 방식은 컷을 알파벳 순서대로 버전으로 분류하기 때문에 더블 A 컷은 A 컷부터 더블 A 컷까지입니다. 그렇게 하는 이유는 버전 2나 버전 1이 계층적으로 더 나은 것처럼 말하고 싶지 않기 때문입니다.

정말 정말 많이 참여하게 되었고 22년 6월부터 24년 1월까지 쇼에 출연했습니다. 그러니까 1년 반 동안이었죠.

그래서 가끔 "한 달 전 버전 F에서 당신이 했던 시퀀스가 있었는데, 버전 K에서 많은 부분을 변경했으니 지금이 더 잘 어울릴 것 같습니다."라고 말해서 그 부분을 들어 올려서 넣는 경우가 있습니다. 그들과 함께 작업하는 것은 정말 독특한 경험이었습니다.

그리고 그들은 주로 메모로 작업했습니다. 세 명의 쇼러너가 우리에게 종합적인 문서를 제공했지만 번역 과정에서 가끔 길을 잃을 때가 있었죠. 예를 들어, 메모 뒤에 있는 메모가 실제로 무엇일까? 누구의 메모일까? 시간이 지나면 누구의 목소리인지 알 수 있을 정도였죠.

하지만 직접 만나지 않고 이렇게 오랜 시간 동안 무언가를 하는 것은 이상했습니다. 결국에는 VFX와 자주 만났어요. 매주 수요일마다 VFX가 리뷰를 하는 스크리닝 룸이 있어서 제가 직접 가서 리뷰를 하곤 했죠. 그리고 그곳에도 Avid가 있었기 때문에 세션을 진행하거나 때로는 제가 직접 VFX 세션을 진행하기도 했죠.

예를 들어 소폰 시퀀스에서는 편집팀과 함께 작업한 아이디어를 VFX로 변환해야 했습니다. 때로는 제가 주도하고 때로는 제가 따라가는 일종의 밀고 당기는 관계였고, 특정 시퀀스나 샷 세트의 필요에 따라 달라졌죠. 저는 처음 다섯 에피소드의 VFX 리뷰에 항상 참여했죠. 그래서 프로세스에 걸리는 시간을 파악하기 시작했죠. 그리고 시각 효과 요소와 함께 스토리텔링 아이디어를 이해하고 스토리가 어디에서 왔고 어디로 가는지 이해하기 위해 최대한 몰입했습니다.

에피소드 5, 심판의 날는 첫 네 에피소드의 정점입니다. 그리고 시즌 중반의 피날레와도 같습니다. 에피소드 5부터는 스토리텔링의 성격이 조금 달라지기 때문입니다. 그리고 다른 방향으로 흘러가죠. 에피소드 5는 첫 5편의 정점이라고 할 수 있죠.

출처: 라디오타임즈

원격 비디오 편집의 경험을 설명해 주시겠어요?

내 생각에는 원격 근무 편집자 컷 단계에서 꽤 성공적이었습니다. 왜냐하면 저는 데일리에 있고, 어시스턴트와 이야기 할 수 있고, 시퀀스에 로케이터를 넣어 그녀에게 특정 종류의 살을 발라달라고 요청할 수 있기 때문입니다. 사운드 디자인그리고 저는 어차피 혼자입니다.

특히 어렵다고 생각하는 부분은 영화나 텔레비전의 디렉터스 컷 부분입니다. 저는 레이몬드와 레이 로드리고 가르시아 감독이 연출한 영화입니다. 저는 집에서 첫 컷을 찍고 사무실에서 함께 작업했는데 코로나19로 인해 사무실 출입을 금지했습니다.

우리는 다음을 사용했습니다. 에버캐스트. 우리는 서로 오랫동안 알고 지냈고 이전에 직접 일한 적이 있었기 때문에 속기도 있었습니다. 하지만 에버캐스트에서 제가 좋아하는 한 가지는 어시스턴트를 방송에 추가하여 감독과 편집자 간의 역동적인 모습을 볼 수 있다는 점입니다. (원격 워크플로우에서는) 종종 그런 부분을 놓칠 수 있기 때문이죠.

디렉터스 컷 날은 매우 강렬합니다. 감독들은 시간이 한정되어 있기 때문에 매우 진지하게 받아들입니다. 그래서 저는 가능한 모든 일에 어시스턴트를 참여시키려고 노력합니다. 그래서 제가 원격 상황을 설계한 방식은 에버캐스트 통화에 어시스턴트들을 참여시켜서 각자의 일을 하면서도 참여할 수 있게 하거나 그냥 들을 수 있게 하는 것이었습니다.

이는 사람들이 성장하고 배울 수 있는 방법이라고 생각합니다. 원격 편집이 점점 더 자주 이루어지고 있기 때문에 많은 것을 놓칠 수 있다는 우려가 있습니다. 다른 편집자들과의 동료애가 사라진다는 것이죠.

오랜 기간에 걸쳐 동일한 자료를 재작업하는 것은 얼마나 어려운 일인가요?

저는 퍼즐을 맞추는 것을 좋아하고, 소재가 얼마나 탄력적인지 보는 것은 항상 흥미롭습니다. 때로는 구석에 처할 때도 있지만 마치 방 탈출을 하는 것 같기도 하죠.

(가끔) 새로운 메모를 받으면 이미 이 미로를 통과해서 빠져나갈 방법을 찾았다고 생각했는데, 이제는 "창문이 있는 위치를 바꾸고 있습니다. 그러니 창문을 열면서도 빛이 들어오는 방향에서 빛이 들어오는 방법을 찾아야 합니다."

하지만 저는 열린 마음으로 도전하는 과정을 즐깁니다. 편집자는 독자와 같은 입장이기 때문에 모든 것을 깨끗이 지우고 새로운 시각으로 바라보는 것이 중요합니다.

가끔은 아주 빠르게 시퀀스를 구성한 다음 어시스턴트에게 보낸 다음 한동안 보지 않을 때도 있습니다. 그러다가 그 뒤나 앞 장면이 나오면 다시 살펴보기도 하죠.

이건 정말 분리에 대한 교훈이죠. 많은 경우 사람들은 처음 시작할 때 멋진 장면을 만들었고 완벽한 선택을 했다고 생각하다가 자신이 좋다고 생각했던 것을 바꾸기 때문에 약간 삐딱해집니다.

그리고 시간이 지날수록 투자하지 않는 것이 아니라 이상하게도 더 많이 투자하게 됩니다. 하지만 동시에 초기 아이디어에만 투자하는 것이 아니라 전체 프로세스에 투자하기 때문에 그 아이디어에서 벗어나게 되죠. 그리고 저는 아이디어가 변화하는 과정을 좋아합니다.

배우와 연기에 관한 한 흥미로운 점은 종종 제작자가 "이 배우가 더 이런 모습이나 이런 느낌을 주는 테이크가 있을까요, 아니면 물리학자로서 더 과학적이거나 더 믿을 수 있는 모습일까요?"라고 말하는 경우가 많다는 점입니다.

처음에는 감독이 그녀와 함께 작업한 후 '와, 6번 테이크에서 정말 열정적이었구나'라고 생각했죠. 하지만 그녀가 정말 훌륭한 물리학자라면 그런 감정적 투자가 필요하지 않았을 거라는 생각이 들죠. 그래서 촬영이 진행되면서 '잠깐만, 다른 테이크를 다시 봐야겠어'라고 생각하게 되죠. 내가 처음에 놓친 부분이 있을지도 모르겠어'라고 생각하게 되죠.

시간이 진화함에 따라 아이디어도 진화합니다. 정말 흥미롭습니다. 일종의 서커스와도 같죠. 때로는 줄타기를 하고 때로는 공중그네를 타기도 하죠.

VFX 세트 피스, 특정 차단 및 지형, ADR 변경과 관련된 어려운 장면을 어떻게 처리했나요?

때로는 애니매트둘 다 서로의 장면에 출연했기 때문에 어려웠습니다(에피소드 5의 두 여자 주인공이 등장하는 집 장면). 특히 에이자(곤잘레스)는 육체적으로 매우 생동감이 넘쳤어요. 그래서 애니매트는 25% 속도로 정지하여 머리가 아래로 움직이지 않거나 연필이나 신문을 집는다는 것을 알 수 없게 만들었습니다. 그런 일이 두어 번 있었습니다.

'클로즈업만 하면 문제없겠지'라고 생각하기 쉽습니다. 하지만 그렇게 하면 전혀 유기적으로 느껴지지 않죠. 그래서 돌이켜보면 멋진 흐름을 유지하고 싶었기 때문에 그 점이 어려웠던 것 같아요. 영화, 특히 텔레비전에서는 클로즈업이 과도하게 사용될 때가 있는데, 저는 공간의 지형과 두 사람의 감정적 역동성을 보존하고 클로즈업된 부분을 살리고 싶었어요.

출처: 할리우드 리포터

(장면의 일부인) 의자에 앉는 장면에서도 그녀가 움직일 때 대사를 빼고, 카메라 밖에서 그녀가 앉은 후에 새로운 대사를 추가하면서 여전히 적합하게 만들었습니다.

ADR의 까다로운 점은 상대 배우가 대사를 시작하기 전에 아주 작은 공간, 아주 작은 물리적 공간에 대사를 추가해야 할 때입니다. 한 장면에 가능한 한 많은 머리를 추가할 수 있지만, 때로는 방금 말한 대사의 끝과 새 대사가 들어가는 곳에 부딪히기도 합니다.

그래서 그 장면에서도 속도감을 더하곤 했죠. 웨이드와 다시가 등장하는 또 다른 장면에서는 그들이 무엇을 할 것인지, 하드 드라이브를 어떻게 가져올 것인지 알아낼 때 ADR 대사를 많이 추가했습니다.

편집 패턴은 장면 초반에 카메라 밖 대사가 많아서 사람들이 그것을 예상하도록 설정하는 것이기 때문에 여기에 새로운 대사가 들어가더라도 편집자가 처음에 제공한 구조와 리듬의 일부가 됩니다. 그래서 조금 더 잘 위장됩니다.

확고한 대본을 가지고 제작에 들어갔나요, 아니면 매우 유동적이었나요?

탄탄하게 시작했지만, 에피소드가 진행되면서, 특히 에피소드 5에서 후반부에 세 가지 큰 세트 피스가 있었다는 것을 깨달았다고 생각합니다.

처음에 17씬은 우리가 (보트) 갑판 위에서 마이크 에반스가 펠릭스와 대화하는 장면이었습니다. 하지만 30분 동안 16개의 장면을 촬영해야 하는데, 어떻게 하면 최대한 긴장감을 유지할 수 있을까요? 사람들에게 흥미진진한 장면이 있을 거라는 것을 알려주되, 그 긴장감을 계속 유지해야 했죠. 그래서 그 과정에서 몇 가지를 단순화했고, 그래서 대사를 추가하기도 했습니다.

출처: 다각형

그리고 추가 촬영을 할 거라는 사실을 알고 나니 '좋아, 그럼 진짜로 뭘 할 건데'라는 생각이 들었습니다. 잘 다듬어 봅시다. 예를 들어 진과 웨이드가 그린 스크린을 올려다보고 있고 소폰이 양성자에 대해 설명하고 하늘에서 펼쳐지고 갈라지고 에칭되는 소폰 시퀀스에서는 제 조수가 다음과 같이 설명했습니다. 조쉬 칼리 추가 촬영을 하기 전에 계속 대사를 바꿔야 했기 때문에 아내 제이미가 임시 대사를 해주곤 했어요.

그리고 그 후에도 다시 변경했습니다. 게임 속 하늘에 더 초점을 맞출까요, 아니면 그녀의 얼굴에 더 초점을 맞출까요? 아니면 그녀가 무언가를 말하기 시작하면 다른 장면으로 넘어갈까요? 어느 순간 "VFX와 사운드 노트, 비동기화 온카메라 대화"라고 미친 듯이 표시를 해뒀습니다.

어시스턴트 에디터와 어떻게 원격으로 협업했나요?

저는 지금 프로젝트를 진행 중이라 새로운 비서와 함께 일하고 있습니다, 아라셀리 로드리게스 바르가스-보조 편집자의 업무가 너무 방대하고 시간이 많지 않다는 말씀이 맞아요. 한 장면을 편집하는 데 시간이 걸리고 서로 주고받는 메모를 주고받아야 하므로 이제 더 이상 사치라고 할 수 없습니다.

그래서 제가 하는 일은 "이 쓰레기통을 열어볼 수 있나요?"라고 물어보는 것입니다. 이 장면을 볼 수 있을까요?" 그런 다음 "이 장면에서 그가 저런 말을 듣고 있다고 생각해야 할까요?" 같은 질문을 던집니다. 아니면 그가 방금 한 말에 신경 쓰지 않고 사적인 순간을 보내고 있다는 것을 추적하는 것처럼 느껴지나요?"라고 질문합니다.

그래서 두 사람은 커팅을 시작하기 전에 영상을 바탕으로 함께 아이디어에 도전합니다. 때로는 명확히 하고 함께 해결책을 찾는 것이 도움이 될 때도 있습니다. 어시스턴트와 이야기를 나누다 보면 "이렇게 하면 어떨까요?"라고 말하곤 하죠. 또는 "나도 그렇게 봤어요."라고 말하기도 하죠.

왜냐하면 많은 편집이 이루어지기 때문에-일기를 읽었을 때 생각했던 것과 다를 때 많은 편집이 이루어집니다. 이런 슬픔의 단계를 거쳐야만 '그래, 이게 내가 가진 영상이다'라고 받아들일 수 있습니다.

저는 편집을 하려고 앉기 전에 정말 많은 고민을 해야 한다는 것을 알게 되었습니다. 일단 자리에 앉으면 정말 빠르게 편집할 수 있지만 다른 모든 선입견을 버려야 하므로 어시스턴트와 함께 작업하는 것이 정말 도움이 됩니다.

그리고 저는 그것이 그들에게도 도움이 된다고 생각합니다. 웃긴 건 제가 아라셀리에게 단도직입적으로 말했죠: "당신은 너무 바빠서 내가 멘토가 되어서 편집자가 될 수 있도록 도와주고 싶은데 시간이 없어요."

그런데 그녀가 말하길 "그거 알아요? 우리가 하는 방식이 저한테 더 도움이 돼요. 생각하게 하거든요. 단순히 혼자서 장면을 자르는 것이 아니라 이 과정을 통해 장면에 어떻게 접근해야 할지 생각하게 되죠."

사람들이 계속 참여할 수 있는 창의적인 방법을 찾는 것이 공예의 미래를 위해 중요하기 때문에 그녀가 그렇게 말해줘서 기쁩니다.

데일리부터 첫 컷까지 장면을 제작하는 과정은 어떻게 되나요?

자료를 두어 번 이상 보고, 줄이 그어진 대본을 따라가기도 하지만 처음에는 '그래, 설정 K가 진짜 시작이고 설정 601과 601A는 실제로 장면의 후반부에 있다'는 것을 이해해야 하므로 처음에는 그냥 수학적으로 파악하려고 노력합니다.

저는 어시스턴트에게 그런 식으로 빈을 만들어서 그 안에 클립을 어느 정도 순차적으로 배치한 다음 평가하도록 합니다: 중요한 순간은 무엇인가? 훌륭한 교사이자 편집자였던 노먼 홀린은 이를 앞으로 나아가는 순간: 우리가 만들고 있는 장면에서 그 순간은 어떤 순간인가요?

이 부분이 매우 중요하기 때문에 때로는 정말 타이트한 샷을 찍을 때도 있고, 때로는 와이드 샷을 찍을 때도 있는데, 사람들은 이런 장면에 알레르기가 있는 경우가 있습니다.

출처: Vox

하지만 갑자기 와이드 샷을 찍어 누군가가 고립되어 있거나 그 공간이 생각만큼 사적이지 않다는 것을 알려줄 때 정말 효과적이라고 생각합니다. 그리고 그것은 거의 숨막히는 순간이 됩니다. 많은 경우 사람들이 편견을 가지고 있고, 프로듀서와 감독도 이미 클로즈업에 대한 편견을 가지고 있기 때문에 이를 사용하는 것이 까다롭습니다.

따라서 스토리를 전달할 때 와이드 또는 클로즈업을 효과적으로 활용할 수 있는 방법을 찾는 것은 물론, 그 순간에 집중할 수 있는 방법을 찾는 것도 제가 많이 고민하는 부분입니다.

때로는 장면의 중요한 순간을 위해 특별히 디자인된 샷이 있는데, 그 샷에 주변의 모든 것이 적절하게 흘러가지 않는다는 사실을 깨닫게 될 때도 있습니다.

그래서 그 장면을 사용하지 않거나 잘라내거나 해야 합니다. 아니면 감독이 이 장면을 보고 싶어 할 테니 다른 버전을 준비해야겠죠.

또한 장면에 따라 달라집니다. 일일이 순서대로 촬영하는 것이 아니기 때문에 한 장면을 촬영하고 조명이 들어왔다고 생각했는데 그 주변의 장면을 보고 "아, 감독님이 저 돌리를 두 번 다 열었네"라고 말하는 경우가 많죠. 그러면 어떤 장면에 저걸 사용할지 선택해야 하죠.

또는 두 장면이 연달아 이어지거나 세 장면이 있는데 실제로는 세 개의 개별 장면이 아니라 하나의 큰 장면이어야 한다고 생각합니다. 시청자에게는 어떤 효과가 있을까요? 어디에서 시청하고 있나요? 어디에서 채널을 돌리나요?

동영상 편집자로서 커리어에서 이루고 싶은 또 다른 목표는 무엇인가요?

지금 저는 부분적으로 한국어로 된 프로젝트를 진행하고 있습니다. 사람들이 저에게 "통역사가 있나요?"라고 묻습니다. 그러면 저는 "네, 하지만 가끔 대본에서 벗어날 때가 있어요. 그리고 한국에 있는 포스트 슈퍼바이저에게 번역본을 보내서 언어가 제대로 됐는지 확인합니다."라고 대답합니다.

정말 흥미로운 점은 모든 것을 이해하기 위해 매우 진지하고 일관되게 매일매일 봐야 한다는 것입니다. 마치 로제타 스톤에 있는 것처럼, 이게 더 나은 연주인데 여기에는 시끄러운 트랙이 있는데 다른 테이크를 사용할 수 있을까요? 미국에서는 음조가 비슷하고 같은 세 음절이라는 것을 알고 있기 때문에 그 음절을 이 문장에 넣으면 흐름이 이어진다는 것을 알 수 있습니다.

한국어로 되어 있어서 집중해서 듣고 또 듣고 또 듣습니다. 이건 다르게 들리지만 사실 연기가 더 잘 나오기 때문이에요. 아니면 어떤 이유에서인지 후반부에 더 캐릭터에 몰입하게 되기도 하고요. 하지만 저는 이 장면을 더 넓게 찍고 싶어요. 저걸 저기에 넣어도 될까요? 맞을까요? 그리고 똑같을까요? 질문에 대한 완전한 답은 아니지만, 다른 언어에 대한 음향적 도전을 하는 것은 매우 흥미롭습니다. 그래서 저는 지금 그렇게 하고 있는 것 같아요.