Las orejas no parpadean: El papel de un diseñador de sonido

por Ankit Verma | 24/2/2022

Fotografía del diseñador de sonido John Sawa

John Sawa es un diseñador de sonido afincado en Vancouver y miembro internacional de la Editores de sonido de películas (MPSE) - que ha creado paisajes sonoros para largometrajes y programas de televisión como la serie de la CW Historias de terror con dos frases, SyFy's Van Helsing, y la de Netflix Polly Pocket.

MASV habló con John sobre su amor por el diseño de sonido, sus herramientas y flujos de trabajo preferidos, y por qué el sonido es una parte tan integral del proceso cinematográfico. ????

¿Qué es un diseñador de sonido? 

imagen destacada del diseñador de sonido
Un diseñador de sonido es alguien que crea experiencias sonoras para el público. Se puede definir como alguien que literalmente crea sonidos individuales que no existen, pero el término también se aplica a alguien que crea la banda sonora general de un medio de comunicación.

Los diseñadores de sonido utilizan el audio para contar historias, crear inmersión, proporcionar un contexto emocional, transmitir u ocultar información y mejorar el suspensoón de incredulidad que te sitúa en el mundo que estás viviendo cuando ves una película, te das un atracón de series de Netflix o juegas a un juego.  

Cuando estás experimentando los medios de comunicación, tus ojos captan mucha información, pero parpadean.

Los oídos no parpadean, por lo que están constantemente recibiendo información, y lo utilizamos en nuestro beneficio para aumentar las experiencias siempre que podemos.

¿Cuál es la diferencia entre un diseñador de sonido y un mezclador?

La definición literal de un mezclador (el papel) es alguien que mezcla múltiples fuentes de audio y las suma en una o más pistas.

A diseñador de sonido crea experiencias sonoras en el nivel micro de los activos de audio individuales, y en la escala mayor de la experiencia sonora completa en los medios de comunicación: cine/televisión/vídeo lineal y medios interactivos. El audio se graba, se crea, se sintetiza, se aumenta y se trata con diversos efectos, y se mezcla para crear algo nuevo con el fin de sumergir al público y mejorar su experiencia.

A mezclador de sonido necesita ser capaz de dar forma a piezas individuales de sonido para que funcionen en la mezcla final. Utilizan sus herramientas y sus oídos para elaborar mezclas que sean a la vez creativas y funcionales para transmitir el significado del mensaje o la historia.

Diferentes tipos de mezcladoras

En la postproducción está el mezclador de regrabación y durante el rodaje hay un mezclador o grabador de sonido de producción que se encarga de captar todos los diálogos y la interpretación sonora de los actores. El mezclador de regrabación toma las decisiones artísticas y técnicas de lo que es más importante escuchar en cada momento. Su trabajo consiste en aportar claridad y fluidez a la banda sonora para convertirla en una experiencia cohesionada, ejecutar y mejorar la intención creativa original del creador del contenido, pero también aportar su propio tratamiento a todo el material que se ha montado, que puede ser cientos de pistas de sonidos.

¿Son intercambiables ambas habilidades?

No todos los mezcladores son diseñadores de sonido cuando se trata de crear activos de audio en bruto. Por otro lado, los diseñadores de sonido suelen hacer muchas mezclas cuando generan material. Como diseñador de sonido, a menudo se me pide que prepare mis pistas para mezclarlas de la forma más ajustada posible, tanto si las pistas se utilizan para vídeo, series de emisión/streaming, largometrajes o videojuegos. A veces me limito a producir sonidos geniales como activos sin muchos otros elementos con los que equilibrar, pero creo que es importante tener siempre presente el formato o el medio final a la hora de crear.

Las dos habilidades van de la mano, pero es bastante común que la gente se especialice en una función a lo largo de su carrera. Muchos se dedican a ambas cosas.

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¿Cómo se llega a ser diseñador de sonido?

Hacer carrera en este campo está en manos de cada uno, pero creo que hay dos pilares fundamentales:

1. Encuentra una escuela de renombre para formarte y educarte en la producción de audio para los medios de comunicación.

2. Empezar como aprendiz o asistente en un estudio de postproducción/juegos.

Creo que ambos tienen sus méritos y depende de la persona hacer que su camino funcione en cualquiera de los casos. Ambos requieren trabajo, dedicación y tiempo para lograr el objetivo.

La mayor parte del desarrollo profesional proviene de la realización del trabajo y de la adquisición de experiencia al trabajar en él. Para conseguir esa experiencia hay que tener contenidos en los que trabajar. Es duro cuando sólo quieres trabajar pero no tienes clientes o creadores de contenidos con los que colaborar. Sin embargo, es posible hacer ejercicios de sustitución de sonido para desarrollar tus habilidades y mostrar tu trabajo. Por ejemplo, en Twitter la gente coge un videoclip o un GIF y sustituye por completo todo el sonido, lo que resulta cuanto menos inspirador.

Hay que familiarizarse con las herramientas del oficio y los fundamentos de la producción de audio; entrenar siempre el oído para escuchar de forma crítica y jugar y descubrir nuevos materiales de origen y trucos para que las cosas suenen bien. Se trata de un proceso continuo de aprendizaje y crecimiento que todo el mundo, en cualquier etapa de su carrera, puede experimentar cada día. Me siento humilde al ver que los héroes a los que admiro en la industria dicen que siguen aprendiendo y divirtiéndose incluso después de décadas de trabajar en la cima de su carrera.

Algo que está disponible para los novatos que quieren entrar en este campo son las comunidades y recursos online para diseñadores de sonido de todos los niveles. Twitter está lleno de profesionales que son muy generosos con su tiempo y sus consejos, y comunidades como #gameaudio son una gran manera de obtener conocimientos y consejos para desarrollar tus habilidades. Youtube está lleno de increíbles tutoriales y recursos como Serie de vídeos de efectos de sonido profesionales. También está la increíble serie de INDEPTH Sound Designs sobre los desgloses de audio realizados por los mejores profesionales del diseño de sonido (véase el vídeo anterior). Akash Thakkar también tiene una serie estupenda sobre cómo trabajar como diseñador de sonido en los videojuegos. Ahora es más fácil que nunca encontrar vídeos detallados y orientaciones sobre cómo introducirse en la industria.

¿Dónde encaja un diseñador de sonido dentro de un flujo de trabajo de producción?

Depende totalmente de la producción y del presupuesto, pero preferiblemente lo antes posible. Lo ideal es que el mejor momento sea la preproducción (si tienes la suerte de formar parte de un proyecto en las primeras fases).

En la preproducción, hay oportunidades para ofrecer aportaciones a la historia/narrativa y ayudar a dar forma a las cosas creativa y técnicamente. En el rodaje de acción real, se pueden indicar las localizaciones y los decorados en los que se va a grabar y se puede contribuir a la narración de la historia en la sala de montaje. En el caso de la animación, puedes participar en la grabación del material del reparto si es necesario.

una línea de tiempo del diseñador de sonido'de la temporada 3 de Polly Pocket

Polly Pocket, Temporada 3 Cronología

Es inspirador ver a la gente al nivel de Sonido Skywalker - donde el trabajo puede comenzar hasta un año antes de que empiece la posproducción. Están en un proyecto grabando nuevos sonidos, reuniendo material de origen nunca antes utilizado y creando sonidos antes incluso de que se haya filmado. Por eso lo que hacen suena tan bien. Se les ha dado la tiempo para crear sonidos totalmente nuevos y únicos para ese proyecto que lo hagan destacar sónicamente. Realmente admiro a profesionales como Richard King, Mark Manginiy el trabajo de sus equipos para crear películas tan fantásticas. Randy Thomel director de audio de Skywalker Sound tiene un blog que vale la pena ver. Es increíble ver a un maestro hablar de sus experiencias en la industria y dar consejos sobre cómo las producciones pueden beneficiarse del sonido en cualquier etapa de la producción.

En el otro extremo de la escala de la producción y los presupuestos, como editor/diseñador autónomo, a veces te contratan justo antes de que empiece la posproducción. Hablo de un par de semanas (si tienes suerte). Durante este tiempo, tienes que empezar a construir paletas y a recopilar/hacer nuevo material para tu programa. En las series episódicas, se trabaja con plazos muy ajustados. Puedes estar produciendo material semanalmente y sólo tienes un tiempo determinado para cubrir una amplia variedad de material que debes proporcionar.

He trabajado con plazos en los que tenía que hacer 2 episodios de dibujos animados de 12 minutos en 5 días, o un total de 50.

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¿Quiénes son sus principales colaboradores?

Cuando estoy a cargo de todo el programa, trabajo con los productores y directores de contenidos y exploramos todos los aspectos del proyecto y cómo el diseño de sonido puede elevarlo.

Cuando me traen a bordo como autónomo por otro estudio, suelo hablar con el supervisor de sonido o el editor de sonido supervisor. La mayoría de las veces, esas funciones también se combinan con la de mezclador de regrabación, por lo que podemos discutir y trabajar en enfoques creativos y técnicos. A veces, tengo la suerte de tener contacto y discusiones con productores, directores, directores de programas y supervisores de postproducción.

Trabajar en la empresa con un contrato de larga duración le permite tener más acceso a los directores y a los responsables de los espectáculos.

Más información: Entender los formatos de los archivos de audio

¿Puede describir un flujo de trabajo "normal" de un diseñador de sonido?

Lo ideal es que tenga algún tipo de aportación/presencia en la preproducción del proyecto para poder empezar a planificar mi propio trabajo, señalar cualquier problema en la producción que pueda afectar negativamente a mi trabajo y empezar a pensar en ideas para el diseño conceptual.

Período de calentamiento

Normalmente, cuando trabajo por episodios, acabo teniendo mi propio periodo de calentamiento antes de sumergirme en la producción. Aquí, reúno paletas de sonidos que creo que serán útiles, hago algunas grabaciones sobre el terreno para obtener material de partida, y empiezo a jugar con ideas conceptuales en el estudio para saber qué tipo de sonidos hacer. Ayuda a desarrollar los preajustes del proceso en Soundminer para darme una ventaja cuando las cosas empiecen a calentarse y tenga menos tiempo libre para experimentar.

También es el momento ideal para hablar con el editor de sonido supervisor sobre el enfoque general, el mezclador de la regrabación sobre los requisitos técnicos y la plantilla de mezcla que utilizaremos durante el proyecto.

En estas fases iniciales de un proyecto, es fundamental para mí intentar que mi trabajo esté preparado para el futuro en la medida de lo posible, para que las cosas sean lo más ágiles posible. Esto implica tomar elementos sonoros complejos y mezclarlos en menos capas, organizar/agrupar/etiquetar los elementos que voy a utilizar repetidamente para poder buscarlos y soltarlos en mi línea de tiempo lo más fácilmente posible, y cualquier otra cosa que pueda preparar para más adelante en el proyecto y que me ahorre tiempo.

Sesiones de localización

Una vez que el vídeo está lo suficientemente finalizado en la edición, se realiza una "sesión de localización" en la que participan los principales representantes de los departamentos, que pueden incluir, entre otros, a los directores, los responsables del programa, los productores, los guionistas, los supervisores de postproducción, los supervisores de sonido, los mezcladores de regrabación, los compositores y, en el mejor de los casos, los diseñadores de sonido clave/supervisores de sonido.

Vemos el episodio en su totalidad y el equipo hace preguntas para asegurarse de que el trabajo está cohesionado y todo el mundo está de acuerdo con la intención creativa inicial. Este tipo de sesiones se realizan con frecuencia en línea utilizando recursos de chat para equipos virtuales y en la nube.

Pedal to the Metal

Una vez que empiezo a recibir los archivos de vídeo, ¡hay que pisar el acelerador para terminar el trabajo! Con suerte, no hay cambios adicionales en la edición de la imagen, pero eso es bastante común para la gente en la postproducción.

En las primeras fases de un proyecto, se hace mucho hincapié en tratar de establecer los elementos creativos clave y hacerlos pasar por todos los que tienen influencia en esas decisiones. Por lo general, se hace un gran esfuerzo inicial para conseguir una mezcla temporal del trabajo creativo y el sonido general del espectáculo para su revisión por parte de la producción. Es de esperar que cualquier trabajo creativo importante se pueda perfeccionar fácilmente hasta un punto en el que todos los que tienen voz estén contentos con el trabajo subjetivo que se está realizando.

Revisión y modificaciones

Si el proyecto es episódico, habrá un calendario establecido de antemano en el que tendré que terminar mis pistas de diseño/efectos para una fecha conocida como premezcla. Aquí es donde se mezcla el material de todas las áreas editoriales con la música para su revisión, y esta versión se envía al director/productor/conductor de la serie para que la revise y tome las notas finales.

A partir de estas notas, todos hacemos los arreglos que se piden y se envían al supervisor de sonido/mezclador de grabaciones para la última sesión de mezcla. Este proceso continúa durante tantos episodios como tenga la serie. En la mayoría de los proyectos suele haber una premezcla y una mezcla final en una semana. Esto puede llevar a hacer malabarismos con dos o tres episodios a la vez; establecer el nuevo episodio mientras se hacen arreglos para los demás. Como puedes imaginar, ¡puede ser un trabajo muy intenso!

Una foto retocada de un coche azul

John Sawa en las instalaciones

¿Qué herramientas se necesitan para el trabajo?

Una de las cosas más importantes que hay que tener cuando se está sentado en un escritorio y mirando un ordenador es una buena silla en la que se pueda estar sentado durante largos periodos con una buena postura. Si pasas mucho tiempo sentado, una mala silla afectará a tu salud física y a tu calidad de vida. No deberías tener que sufrir dolores de espalda o desarrollar ciática sólo por hacer tu trabajo.

Estación de trabajo de audio digital

Un diseñador de sonido necesita una serie de herramientas: la primera es un DAW (estación de trabajo de audio digital) para producir tus contenidos. Hay muchas opiniones (muy expresivas) sobre qué DAW es el mejor. Lo fundamental es encontrar uno en el que puedas ser eficaz en la producción del material que se requiere para el trabajo.

No todas las DAW son capaces de trabajar con archivos de vídeo. Técnicamente, se puede diseñar audio sin un componente visual, pero en mi mundo de audio para cine/tv/vídeo/juegos, tener vídeo es esencial. Personalmente, utilizo Avid Pro Toolsy he empezado a incorporar Reaper como un complemento a mi flujo de trabajo para cosas que Pro Tools no puede hacer tan bien para mí.

Una estación de trabajo de audio digital reaper utilizada por un diseñador de sonido

Estación de trabajo de audio digital Reaper

Equipo de grabación

A continuación, es imprescindible contar con alguna forma de grabar el audio. Para muchos es imprescindible contar con micrófonos, preamplificadores, equipos de grabación o una grabadora de mano.

Usted no necesito para comprar el equipo de grabación más caro del mundo para empezar, o simplemente para producir un gran sonido. Un sonido bien grabado es un sonido bien grabado sin importar las circunstancias. Tener un micro $2000 no te va a convertir en un mejor diseñador de sonido. La mejor grabadora es la que llevas encima cuando la necesitas.

Más información: Los mejores micrófonos para grabación, streaming y podcasting en 2022

Bibliotecas de audio

A continuación, necesitas una forma de poder buscar los sonidos que necesitas cuando los necesitas. Eso significa que es necesario un sistema de gestión de bibliotecas de audio para que puedas obtener lo que necesitas en el momento oportuno. No es esencial empezar con uno profesional completo (que puede ser caro), pero tienen sus usos, y algunos DAWs tienen una funcionalidad de búsqueda en la biblioteca. Personalmente, uso Soundminer todo el tiempo en mi mundo de diseño y efectos de sonido. Es increíblemente potente para buscar sonidos en mi biblioteca, audicionarlos y aplicar un tratamiento con mi arsenal de plug-ins para diseñarlos y aumentarlos antes de localizarlos precisamente en la línea de tiempo de mi DAW. Otras grandes opciones son Soundly y Cabeza hueca.

Plug-ins de audio

Después de esto, empezamos a entrar en el terreno de los plug-ins. Los plug-ins son piezas adicionales de software de audio que puedes insertar en una cadena de señal para aplicar un tratamiento a la señal de audio con la que estás trabajando.

Todos los procesos de señal que realizamos pueden lograrse con los plug-ins de serie que vienen con tu DAW. Aprender a dominar los fundamentos con los plug-ins de stock es una gran manera de empezar y aprender. Es muy fácil dejarse llevar por los nuevos plug-ins, las ventas y los que se convierten en una tendencia de moda en las comunidades online.

Hay muchas variedades de plug-ins, pero yo personalmente los considero en estas amplias categorías:

Desenmascaramiento/restauración

El audio problemático ocurre, necesitas una manera de poder salvar y limpiar las cosas para hacer los sonidos más útiles. Yo diría que tener algunas herramientas por estas razones es indispensable trabajando en audio.

Mezcla/utilidades:

Herramientas que te ayudan a mezclar y aumentar tus señales de audio de forma más eficaz. Estas herramientas te ayudarán a obtener mejores resultados sin aumentar el tiempo necesario para conseguirlos.

Plugins de diseño de sonido creativo:

Plug-ins que manipulan y deforman el audio de forma creativa y que le ayudan a conseguir los resultados que desea manteniendo sus activos técnicamente sólidos.

Buen rendimiento

Por último, es necesario un buen conjunto de altavoces/auriculares para ofrecer una representación precisa de lo que estás produciendo.

Trabajar con sonido multicanal requiere altavoces adicionales para ofrecer una representación precisa del trabajo en 5.1, 7.1 o Dolby Atmos, pero no es estrictamente necesario. Durante años corté pistas de efectos y diseñé sonidos para contenidos en 5.1 con monitores estéreo, hasta que finalmente me cambié a una configuración 5.1 en mi estudio.

¿Cómo ha mejorado su consulta a lo largo de los años?

Sobre todo, haciendo el trabajo. He tenido la suerte de colaborar en una gran variedad de proyectos para distintos medios de comunicación. Cada uno de ellos ha ofrecido muchas oportunidades de aprendizaje.

Este es un oficio al que hay que aplicarse y desafiarse activamente para aprender más y seguir creciendo y desarrollando sus habilidades.

Como se ha mencionado, hay muchos recursos y comunidades en línea donde los profesionales del audio comparten recursos y hacen/responden preguntas. Es una forma fantástica de ampliar tus conocimientos y habilidades. Intento seguir varios blogs/comunidades/grupos/hashtags para ver qué puedo aprender y aplicar a mi oficio.

En el aspecto técnico, aprender a ser más eficaz con las herramientas que utilizas es imprescindible. Siempre intento encontrar formas de ser lo más eficiente posible para que las tareas que repito cada día sean más ágiles. Grabar y generar nuevo material con regularidad mantiene frescas las paletas de sonidos que utilizo. Ayuda a ver la experimentación como algo divertido por el mero hecho de serlo.

¿Tiene algún sonido favorito que haya diseñado?

Es difícil decir que un sonido es mi favorito. Tiendo a ver los proyectos en su conjunto desde el punto de vista de la narración y no de los momentos individuales.

En lo que estoy trabajando actualmente es el proyecto más genial con algunos de mis trabajos más favoritos hasta la fecha, pero debido a los acuerdos de confidencialidad no podré hablar de ello hasta más adelante en 2022.

Tengo mucho cariño por el trabajo que el equipo y yo en Van Helsing (SYFY/Netflix). Acabé elaborando muchas de las peleas cuerpo a cuerpo/espadas, junto con las secuencias de magia y gore/agallas. Nunca hay un momento aburrido trabajando en el territorio de los vampiros, los zombis y las peleas de kung-fu al mismo tiempo.

El segundo lugar lo ocupa el trabajo que realicé en el Inspector Gadget (2018) serie de animación. Fue un sueño hecho realidad trabajar en un dibujo animado que me encantaba de niño. El proyecto era tan descabellado, con una enorme oportunidad de divertirse contando historias con sonido. Un sonido específico que me viene a la mente tendría que ser el de una máquina que escupe hamburguesas con queso listas para comer a la orden. ????

¿Cómo ve la evolución del papel con la producción a distancia?

La colaboración a distancia se ha convertido en una norma para la producción de medios de comunicación en general. Ahora es más factible para los profesionales permitirse el tipo de equipo/sistemas/velocidades de conexión a Internet necesarios para trabajar a distancia. Según mi experiencia, incluso antes de la pandemia, muchas disciplinas de la producción de medios de comunicación pasaron a trabajar a distancia. Por ejemplo, cada vez más producciones utilizan un solución en la nube para la transferencia de archivos y la celebración de sesiones de observación en una plataforma en línea.

Hoy en día, diría que tener una conexión a Internet rápida y fiable es un requisito para el trabajo, al igual que cualquier otro equipo y software utilizado para el trabajo. Puedo colaborar con personas de todo el mundo y trabajar en equipo a distancia gracias a la nube.

Las grandes producciones necesitan más seguridad para mantener sus IPs a salvo de que se hackea y se comparte con el público. Esta es una de las principales preocupaciones cuando se trabaja en contenidos para una gran cadena o estudio. A menor escala, en el mundo indie, los creadores de contenidos necesitan poder compartir sus contenidos con colaboradores para que los flujos de trabajo y el desarrollo de contenidos sean eficaces a distancia. Esto ha permitido que más personas trabajen en rollos técnicos creativos que nunca antes.

Más información: Compartir archivos de forma segura: Cómo está diseñado MASV para proteger sus archivos

No podemos agradecer lo suficiente a John su tiempo y consideración con esta entrevista. Si quieres ver más trabajos de John, puedes seguirlo en Twitter y LinkedIn. También puede consultar su sitio web y los servicios de audio ofrece.

Esperemos que, tras leer este artículo, todos comprendamos mejor la importancia del diseño de sonido en el proceso general de realización de una película y cómo transforma la forma en que experimentamos el contenido.

Como ya ha dicho John, la escasez de tiempo y los flujos de trabajo a distancia son la norma en la industria, por lo que los cineastas y postprofesionales confían en MASV para entregar grandes archivos multimedia a través de la nube en poco tiempo.

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