Ein Interview mit dem erfahrenen Storyboard-Künstler Mark Simon

Mark Simon ist ein Storyboard-Künstler, Autor, Animationsregisseur und Unternehmer, der Animatics & Storyboards Inc. leitet, ein Storyboard-Unternehmen mit mehr als 5.000 Produktionen, darunter Die wandelnden Toten, Dexter, Fremde Dingeund Die Flugbegleiterin.

Vielen Dank an unsere Freunde von Wacom, MASV konnte sich für eine kurze Frage- und Antwortrunde mit Mark zusammensetzen, um über den Arbeitsablauf beim Storyboarding zu sprechen, darüber, wie ein Storyboard-Künstler in den Produktionsprozess passt, welche Tools er verwendet und wie jemand überhaupt dazu kommt, Story Art zu machen.

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• Was ist ein Storyboard-Künstler?
• Wie sind Sie zum Storyboarding gekommen?
• Wie wird man Storyboard-Künstler?
• Haben verschiedene Storyboard-Künstler unterschiedliche visuelle Stile?
• Wie fügt sich ein Storyboardzeichner in den gesamten Produktionsablauf ein?
• Mit wem arbeitet ein Storyboardzeichner am Set am meisten zusammen?
• Wie sieht Ihr eigener, unkonventioneller Arbeitsablauf aus?
• Welche Hilfsmittel sind für die Arbeit als Storyboard-Künstler erforderlich?
• Welche Wacom-Produkte verwenden Sie?
• Welche Arten von Dateien senden Sie?
• Beeinträchtigt das Arbeiten aus der Ferne Ihren Arbeitsablauf?

Was ist ein Storyboard-Künstler?

Unsere Aufgabe ist es, die Vision des Regisseurs von einem Drehbuch zu illustrieren. Wenn Sie sich vorstellen, ein Drehbuch zu lesen, ist das, was Sie im Kopf haben, etwas anderes als das, was jemand anderes im Kopf hat. Und bei Die wandelnden TotenWir haben zum Beispiel jeden Tag zwischen 500 und 700 Leute am Set. Das sind viele verschiedene Visionen und eine Menge potenzieller Probleme. Wir veranschaulichen also die Vision des Regisseurs. Sie nutzen sie für die Budgetierung, die Zeitplanung, die Planung - um herauszufinden, was passieren kann und was nicht. Jetzt hat das gesamte Team eine einheitliche Vision, was eine enorme Zeit- und Arbeitsersparnis bedeutet.

Alle dargestellten Storyboard-Frames wurden von Mark Simon zur Verfügung gestellt.

Wie sind Sie zum Storyboarding gekommen?

Mein Vater hatte ein Hausbauunternehmen, und so begann ich, seine Marketingmaterialien, Broschürenillustrationen und architektonischen Renderings für das Unternehmen zu entwerfen. Schließlich kamen seine Kunden und Bauunternehmer zu mir, und ich begann, Marketing für sie zu machen. Ich gründete eine Marketingfirma und verdiente mir damit meinen Lebensunterhalt im College. 

Nach meinem College-Abschluss lebte ich in L.A. und dachte mir, dass ich als künstlerische Leiterin im Kulissenbau meinen Weg nach Hollywood finden würde, weil ich wusste, wie man Dinge entwirft und baut. Das hatte ich mein ganzes Leben lang gemacht. Also ging ich zu Roger CormanStudio und bewarb sich um einen Job. Falls jemand Roger Corman nicht kennt: Er war der König der Billigfilme und halb Hollywood hat in seinem Studio angefangen. Ich bekam einen Job bei einem Science-Fiction-Film namens Sklavenmädchen von jenseits der Unendlichkeit als Baukoordinator. Zwei Wochen später wurde ich zum künstlerischen Leiter ernannt, weil ich wusste, wie man Crews leitet.

Aber ich wollte mich mehr mit dem Geschichtenerzählen beschäftigen. Also ging ich zur größten Agentur der Welt, Storyboards Inc.. Ich ging hinein und bat darum, einen der Agenten zu treffen, und zeigte ihm meine Muster. Er sagte, es sei schrecklich. Ich stellte eine Menge Fragen. Er gab mir einige Muster. Ich ging weg. Eine Woche später war ich wieder da. Er sagte: "Nun, besser, aber immer noch nicht gut. Also gab er mir noch ein paar Tipps. Ich ging wieder weg. Und ich tauchte immer wieder auf, bis er schließlich sagte: 'Hey, willst du einen Honda-Werbespot?' Und sie fingen an, ihn zu platzieren. Während dieser Zeit begann ich, mehr Storyboarding zu machen. 

Die Konstruktion hat mir wirklich geholfen, denn als Geschichtenerzähler müssen wir in der Lage sein, alles schnell zu zeichnen. Menschen, Autos, Tiere, einfach alles - und dazu gehören auch Orte in Perspektive. Da ich im Baugewerbe gearbeitet habe, musste ich ständig Dinge perspektivisch zeichnen, auf der Grundlage von Bauplänen. Um meiner Mannschaft zu zeigen. Ich muss das machen, so wird diese Verbindung funktionieren. Es war mir also in Fleisch und Blut übergegangen, denn meine ganze Karriere bestand darin, Dinge in Perspektive zu zeichnen, damit jeder sie verstehen kann.

Wenn ich jetzt mit Regisseuren zusammenarbeite und sie sagen: "Also gut, ich möchte, dass das 20-Millimeter-Objektiv drei Meter hoch in diese Richtung schaut", kann ich es in perfekter Perspektive skizzieren.

Wie wird man Storyboard-Künstler?

Jetzt gibt es Kurse, aber nicht, als ich hierher kam. Eigentlich habe ich die erstes ausführliches Buch über Storyboarding, und die dritte Ausgabe wird an Universitäten auf der ganzen Welt für die Ausbildung von Story Artists verwendet und wurde in sieben verschiedenen Sprachen veröffentlicht. Ich selbst habe drei verschiedene Kurse für Universitäten zum Thema Storyboarding geschrieben.

Jetzt kann man den Beruf tatsächlich erlernen und sich einfach bewerben. Das war früher wirklich nicht der Fall. Früher waren Story Artists Produktionsillustratoren, also Leute, die skizzierten, wie die Kulissen und Requisiten aussehen würden, die Figuren entwarfen und vielleicht ein paar Konzeptzeichnungen anfertigten. Ein Regisseur brauchte etwas, und der Illustrator am Set hat dann das Storyboarding gemacht. Das ist mir auch schon bei einigen Projekten passiert, als ich zum Vollzeit-Storyboarding überging. Jetzt ist es also einfacher, weil es Schulungen und Mentoren gibt. Viele Regisseure von Live-Action- und Animationsfilmen fangen als Story Artists an und wechseln dann zur Regie. Ich meine, sogar Hitchcock hat als Story Artist angefangen. Jim Cameron war ein Geschichtenerzähler. Viele Top-Regisseure sind das.

Haben verschiedene Storyboard-Künstler unterschiedliche visuelle Stile?

Nun, manche sind lockerer, manche sind straffer, manche sind schneller. Wenn man in der Produktion arbeitet, vor allem im Fernsehen, muss man unglaublich schnell sein. Und man muss einen eher realistischen Stil haben. Im Animationsbereich muss alles in einem Storyboard festgehalten werden, daher kann man einen 'Cartoon'-Stil verwenden, aber die Regisseure im Realfilmbereich wollen keinen Cartoon-Look. Sie wollen etwas, das realistischer ist, d. h. mit genauen Proportionen. Das ist wahrscheinlich der größte Unterschied zwischen dem cartoonhaften und dem realistischen Stil.

Wie fügt sich ein Storyboardzeichner in den gesamten Produktionsablauf ein?

Auf Die wandelnden Toten Wir haben acht Drehtage, um eine Folge zu drehen, was heutzutage nicht sehr viel ist. Acht Drehtage bedeuten acht Tage Vorbereitung, denn wir bekommen für jede Folge einen neuen Regisseur, zwei Kameraleute und zwei Regieassistenten. Einer ist für die geraden, der andere für die ungeraden Episoden zuständig. Einer bereitet sich also vor (während der andere dreht). Wenn sie mit dem Regisseur fertig sind, gehen sie mit ihm in die Produktion, und wenn sie damit fertig sind, beginnen sie mit den Vorbereitungen für die nächste Folge. Das ist also sozusagen der Prozess. Ich arbeite die ganze Zeit mit einem anderen Regisseur zusammen.

Auch an den Drehbüchern wird ständig gearbeitet. Während der achttägigen Vorbereitungszeit arbeiten sie also immer noch mit dem Regisseur und den Autoren an dem Drehbuch. Ich bekomme erst am dritten von acht Tagen ein Drehbuch. Am vierten oder fünften Tag wissen der Regisseur und der Produzent bereits, welche Sequenzen in das Storyboard aufgenommen werden müssen. Wenn wir an Fernsehsendungen arbeiten, erstellen wir nicht das gesamte Storyboard. Dafür ist keine Zeit. Wir erstellen ein Storyboard für Stunts und Effekte, weil das die Dinge sind, die am meisten in der Schwebe sind. Manchmal mache ich auch spezielle Kamerabewegungen und Übergänge, also Dinge, die wirklich intensiver geplant werden müssen.

Am vierten oder fünften Tag setze ich mich mit dem Regisseur zusammen (oft ist auch der Kameramann dabei). Wir gehen diese Sequenzen durch, und ich skizziere sie in Echtzeit in einer Videokonferenz. Nach dem Telefonat bereinige ich die Skizze, füge alle Notizen ein, mache sie für die Produktion brauchbar und schicke sie dem Regisseur zur Korrektur.

Was ich zusätzlich zum Storyboard mache und was nur sehr wenige andere Autoren von Live-Action-Storys tun, ist die Erstellung eines Animationsfilms in Echtzeit, also eines Video-Storyboards. Denn die Software, die ich verwende, Storyboard Pround die Geschwindigkeit, mit der ich auf meinem Wacom arbeite - ich zeichne buchstäblich auf einer Zeitachse. Also mache ich einfach schnell eine Scratch-Spur. Und das hilft mir zu entscheiden: Verpasse ich eine Aufnahme? Läuft alles flüssig? Und der Regisseur kann sehen, ob seine Vision so rüberkommt, wie er es sich vorgestellt hat, weil er es auf Video sehen kann, bevor er den Film dreht. Das ist wirklich sehr hilfreich für den Prozess.

Mit wem arbeitet ein Storyboardzeichner am Set am meisten zusammen?

Es ist immer der Regisseur, denn es ist die Vision des Regisseurs.

Ich mag es, wenn der Kameramann bei den Besprechungen dabei ist. Am ersten Tag kommt der AD ab und zu dazu, in der Regel nur bei Sequenzen, weil er viel in der Vorbereitung zu tun hat. Aber wenn es sich um Sequenzen handelt, wirkt sich das, was ich mache, auf ihren Zeitplan aus und darauf, wie sie das Ganze planen müssen, so dass sie für einen Teil des Meetings einspringen. Manche Produzenten, wenn es sich um einen wirklich kreativen Produzenten handelt, werden sich dazusetzen. Und das war's dann im Allgemeinen.

Manchmal muss ich Fotos von bestimmten Orten besorgen. Ich spreche mit dem Transportunternehmen, wenn wir spezielle Fahrzeuge haben, die dort eingesetzt werden sollen. Die Stunt-Koordinatoren kommen oft vorbei und zeigen ein Video davon, wie sie den Stunt oder den Kampf machen. In anderen Fällen bauen sie das Ganze nach meinem Storyboard auf. Manchmal ist auch ein Effekttechniker dabei, aber nicht oft. Sie sollten wahrscheinlich stärker einbezogen werden, aber auch hier ist die Zeit begrenzt. Und ich setze mich mit der Kunstabteilung in Verbindung, um ihre Konzeptzeichnungen oder 3D-Modelle zu bekommen.

Wie sieht Ihr eigener, unkonventioneller Arbeitsablauf aus?

Mein tatsächlicher Arbeitsablauf variiert ein wenig, aber in der Regel lese ich als Erstes das Drehbuch, um Spaß zu haben. Ich möchte die Geschichte kennenlernen. Wenn ich noch nicht an der Serie gearbeitet habe, schaue ich mir alle früheren Episoden an, die ich finden kann. Wenn es sich um einen Film handelt, versuche ich, mir etwas anzusehen, was der Regisseur gemacht hat, damit ich seinen visuellen Stil verstehen kann. Ich mache das schon so lange, dass ich eine Menge spezifischer Merkmale jedes Regisseurs herausfinden kann. Und so fange ich sofort an, diese zu skizzieren: Ich kann mich sofort in ihre visuelle Stimme hineinversetzen.

Dann lese ich ein Skript ein zweites Mal und achte auf bestimmte Stunts und Effektszenen. Ich wende mich dann an den AD und frage, welche Sequenzen der Regisseur machen möchte. Wenn ich für jemand anderen arbeite, versuche ich, meine Vision nicht zu äußern, bevor ich die Vision des Regisseurs gehört habe. Denn mein Ziel ist es immer, die Vision des Regisseurs umzusetzen, so dass das fertige Material genau so aussieht, wie ich es illustriert habe, wenn ich das fertige Werk sehe. Das ist für mich ein Erfolg, und ich weiß, dass ich meine Arbeit gut gemacht habe.

Sobald ich also die Abläufe kenne, suche ich nach Referenzen. Ich kontaktiere verschiedene Crew-Leiter oder recherchiere selbst: Wie sieht diese Art von Tanker aus? Oder wie sieht diese Bombe aus? Und ich besorge mir Referenzmaterial. Ich finde heraus, wer die Schauspieler sind, frage in der Garderobe nach, was sie anhaben, und besorge mir einen Haufen Fotos, damit ich schon beim Skizzieren einen Bezug zu ihnen habe (so ist es einfacher zu erkennen, wer wer ist, selbst bei den groben Skizzen). Dann treffe ich mich mit einem Regisseur (normalerweise virtuell) und wir gehen alle Aufnahmen durch. Ich mache mir schnell Notizen. Ich schicke ihnen sofort meine Miniaturansichten.

Dann gehe ich zurück und verfeinere es mit den richtigen Bewegungspfeilen, ich füge bestimmten Ebenen Bewegung hinzu, ich füge die Kamerabewegungen hinzu und sorge dafür, dass die Kunst cool aussieht. Ich sorge dafür, dass die Posen inspirierend sind. Und wenn man es sich ansieht, versteht man die Handlung besser. Sobald es genehmigt ist, ist es von Produktion zu Produktion unterschiedlich, wie ich es in die Produktion bringen soll. Es gibt immer mehr Online-Datenbanken, in die ich alle Informationen hochladen kann. Manchmal gibt es auch bestimmte Leute, denen ich sie schicke. Das ist unterschiedlich.

Welche Hilfsmittel sind für die Arbeit als Storyboard-Künstler erforderlich?

Nicht jeder verwendet Storyboard Pro in der Live-Action, aber fast jeder in der Animation.. Es ist eine Mischung. Viele Leute benutzen immer noch Photoshop, das ich früher auch benutzt habe, aber es ist einfach nicht produktionsfreundlich, was den Export von Dingen angeht.

Es gibt eine Reihe von Programmen, die ich verwende und die ich in Storyboard Pro integriere, um meine Arbeit zu beschleunigen. Dinge wie ClipDropDas ist eine erstaunliche Software, mit der ich ein Foto von einem Referenzbild machen kann, und der Hintergrund wird sofort ausgeblendet - ich muss nichts anfassen. Es wird von meinem Handy auf meinen Desktop gesendet, ich ziehe es direkt in Storyboard Pro und kann es als Referenzzeichnung verwenden. Es ist unglaublich, wie viel Zeit ich dadurch gespart habe. 

Ich verwende auch SketchUp eine Menge für 3D-Modelle. Die meisten Shows, an denen ich gearbeitet habe, verwenden SketchUp für ihre Sets. Wenn sie mir also ein Set schicken, mache ich das, aber ich kann es auch direkt in Storyboard Pro übertragen und so ein Storyboard in 3D erstellen. Es gibt einige Bewegungen, bei denen der Regisseur ganz bestimmte Bewegungen an einem Ort sehen möchte, und ich kann das alles in Storyboard Pro machen und gleichzeitig die Figuren weiter zeichnen. 

Sie haben Wacom als Teil Ihres Arbeitsablaufs erwähnt. Welche Produkte verwenden Sie?

Ich habe eine Menge davon. Meine wichtigste auf meinem Desktop ist die Cintiq Pro 24 Touch. Und wann immer ich vor Ort bin oder auf Reisen, reise ich mit meinem MobileStudio Pro. Und anstelle von Laptops habe ich ältere Cintiq-Begleiter. Einige meiner Künstler haben die tragbaren Wacom-Geräte, die sie an ihren Laptop anschließen. Ich habe auch die Wacom Express Key Fernbedienung.

Wacom Cintiq Pro 24 Touch

Welche Arten von Dateien senden Sie?

Ich schicke eine PDF-Datei. Bei manchen Produktionen gibt es verschiedene Arten, wie sie alles sehen wollen: manche sind im Querformat, manche im Hochformat. Bei Werbespots schicke ich auch einen Export von einzelnen JPEGs jedes Panels, weil sie gerne sehr spezifische Setups für ihre Kunden machen, wenn sie ihre Präsentation vor dem Dreh machen. Und dann schicke ich jedem eine mp4- oder Filmdatei des Animatic.

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Beeinträchtigt das Arbeiten aus der Ferne Ihren Arbeitsablauf?

Ich arbeite seit mehr als 10 Jahren mit der Fernsteuerung. Ich fühle mich sehr wohl dabei. Aber ich freue mich auch darauf, wieder am Drehort und am Set zu sein. Ich mag die Kameradschaft, die diese Art der Arbeit mit sich bringt. Aber ich mag es auch sehr, mit dem Regisseur durch ein Set oder einen Drehort zu gehen, um ein Gefühl für die Situation zu bekommen. Das hilft ihnen, alles zu planen. In Zukunft werden wir also weniger aus der Ferne arbeiten, aber es wird insgesamt mehr sein.

Wir möchten uns bei Mark dafür bedanken, dass er sich die Zeit genommen hat, uns über die entscheidende Bedeutung des Storyboarding aufzuklären! Es ist ein absolutes Vergnügen, von einem Branchenveteranen wie Mark mehr über dieses Handwerk zu erfahren. Dieses Interview wurde ermöglicht durch unsere Partner bei Wacomdem weltweit führenden Anbieter von Stift-Displays und Tablets für kreative Anwender.

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