マイケル・ルシオ（ACE）、心を揺さぶるNetflixのヒット作『3 Body Problem』の編集について

Netflixの最新SFシリーズ、 3 身体の問題は、膨大な数の場所、時代、さらには次元にまたがる巨大な登場人物を擁する壮大な物語である。そして、この番組の編集とポストプロダクションは、ほとんど同じくらい複雑だった。

編集者4名 (サイモン・スミスエース； ケイティ・ウェイランドエース； アンナ・ハウガーACE；そして マイケル・ルシオACE）が2年間にわたって争った。 シリーズの3人のショーランナー、デヴィッド・ベニオフとD・B・ワイス(ゲーム・オブ・スローンズ)とアレクサンダー・ウー(スター・ウォーズ／クローン・ウォーズ)をスクリーンに映し出す。

MASVは最近、ベテラン編集者マイケル・ルシオにインタビューした。 カーニバル・ロウ, オルタード・カーボン, ハウス・オブ・カード, ホームランド, トゥルーブラッドこのような複雑なプロジェクトの編集のニュアンスについて語る。

• 3つのボディ・プロブレムの編集の経緯
• パズルを組み立てるのが好き
• ショーに出演することになった経緯と、カットプロセスについて教えてください。
• このプロセスは、これまでに手がけたプロジェクトとどう違いましたか？
• 遠隔ビデオ編集の経験について教えてください。
• これほど長い期間、同じ素材を再加工するのは難しいことですか？
• VFXのセットピース、特殊なブロッキングや地理、ADRの変更など、難しいシーンにどのように対処しましたか？
• しっかりした脚本で製作に入ったのですか、それとも非常に流動的だったのですか？
• アシスタント・エディターとのリモート・コラボレーションはどのように？
• デイリーからファーストカットまで、どのようなプロセスでシーンを作り上げていますか？
• ビデオ編集者としてのキャリアで他に何を達成したいですか？
• それはラップだ...

3つのボディ・プロブレムの編集の経緯

ウェイランドは2021年11月に英国で8エピソードからなるシリーズの制作を開始し、2022年1月にスミスと合流した。

ショーの複雑な作業量と無制限の修正が渦巻く中、ロサンゼルスを拠点とするルシオとコロラド州のハウガーが2022年6月に手を貸すことになった。

ほとんどの場合、全員が自宅の編集室からリモートで仕事をしていた：

• ロサンゼルスのチームはサーバーに接続し、デイリーとカットのかなりの部分を自宅で作業した。
• 各編集長には専用の AVID ポストプロダクション・オフィスのコンピュータを遠隔操作できるようにするためだ。 ジャンプデスクトップビンが更新され、アシスタントが最新バージョンのシーケンスで作業できるようになる。

ルスキオとハウガーがこのプロジェクトを完成させたのは、結局2023年初頭のことだった。編集 3 身体の問題 というのは控えめな表現だろう！

パズルを組み立てるのが好き

マイケルとの会話の中で、私たちはこう話した：

• 編集特有の課題 3 身体の問題遠隔地にいる3人のプロデューサーのメモも管理している。
• 遠隔地でのアシスタント指導に対する彼のアプローチ。
• 絶え間ない変更要求に対応し、斬新でクリエイティブなアプローチを見つける。
• 編集でシーンを書き直すコツとヒント 追加ダイアログ録音 (ADR）。
• 副編集長を指導するための戦略
• シーンをカットする戦術
• 外国語でのカットへの挑戦。

未見の方は 3 身体の問題 まだだ、 若干のネタバレあり.マイケルのエピソード5も注目に値する、 審判の日現在 シリーズ最高視聴率 IMDBにて。

このインタビューは、長さと明瞭さのために軽く編集されている。

ショーに出演することになった経緯と、カットプロセスについて教えてください。

かなり非典型的だった。当初、英国にはケイティ・ウェイランドとサイモン・スミスという2人の編集者がいて、彼らが全8話を担当することになっていた。その後、第5話の「バトル・オブ・ザ・バスターズ」のような大規模な編集があることが明らかになり、彼らは海外に行ってロサンゼルスの誰かにそのエピソードをやらせる必要があると気づいた。それで第5話を私が担当し、第6話をアンナ・ハウガーが担当することになった。

結局、ケイティとサイモンが2023年3月に去ったとき、アンナと私はこのシリーズを採用したようなものだ。私は1、2、4、5を採用し、彼女は3、6、7、8を採用した。だから、私たちはそれぞれ4つのエピソードを完成させることになった。

私の関与は当初、奇妙なものだった。私はポスト・プロデューサー(ハメッド・シャウカット)に誕生日を祝ってもらい、45分間話した。

私はそうだと答えた。すると彼はこう言ったんだ。 3 身体の問題今、第3話と第4話の真っ最中で、第5話も控えている。そして ミンキー・スピロ監督である。私たちは何度か一緒に仕事をしたことがあったし、アレクサンダー・ウー監督のことも知っていた。 トゥルーブラッド.だから私たちは一緒に仕事をしたけれど、私はまだデヴィッド・ベニオフとD・B・ワイスに会う必要があった。

彼らに会って、いい出会いに思えた。そして、それが起こったんだ。文字通り、週末にアシスタントを雇わなければならなかった。私は ジョシュ・カーリー そして月曜日にはリモートで仕事をするようになった。

いくつかあった。 プリヴィス ロンドンのピカデリー・サーカスで少し撮影したんだ。それで、そのデイリーがあったんだ。

そこで私たちは、自分たちの自己紹介を兼ねて、この地を走った。 VFXチームショーランナーたちが大きな船のシークエンスやソフォンのシークエンスで何を考えていたかを把握するためだ。

本当に、本当に巻き込まれて、私は22年6月から24年1月まで番組に出演していた。つまり1年半だ。

このプロセスは、これまでに手がけたプロジェクトとどう違いましたか？

とても長かった。 一般的なテレビ局の番組では、8日間の撮影、編集者のカット、ディレクターのカット、プロデューサーのカット、そしてスタジオでの撮影があり、撮影から1ヵ月半後にオンエアされることもある。.

この場合、私たちには時間の余裕があった。しかし、手をこまねいていたわけではない。時間を埋めるために仕事は常に拡大していく。私たちは常に忙しく、常に手直しをしていた。

この特定のプロデューサーのやり方では、カットはアルファベット順にバージョン分けされているので、カットAからカットダブルAまである。なぜそうするかというと、必ずしもバージョン2とかバージョン1とか言いたくないからだ。

本当に、本当に巻き込まれて、私は22年6月から24年1月まで番組に出演していた。つまり1年半だ。

だから、「1カ月前のバージョンFのときに、あなたがやったシークエンスがあったんだけど、バージョンKでいろいろと変更した今なら、もっとうまくいくと思う」と言われることもある。彼らとの仕事は本当にユニークな経験だった。

彼らはほとんどメモを見ながら仕事をしていた。3人のショーランナーがいて、私たちに包括的な文書を渡してくれるのですが、翻訳しているうちに分からなくなることがありました。例えば、ノートの後ろにあるノートは本当は何なのか？誰のメモなのか？しばらくすると、誰の声かわかるようになるんだ。

しかし、これほど長い期間、直接会わずに何かに取り組んでいるのは奇妙なことだった。最終的には、VFXと直接会うことが多かった。毎週水曜日にVFXがレビューを行う試写室があったので、私はそこで直接レビューを受けていました。それから、アビッドもいたので、セッションをしたり、時には私がVFXのセッションを担当することもありました。

例えば、『ソフォン』のシークエンスでは、編集部と練ったアイデアをVFXに反映させる必要がありました。私がリードすることもあれば、フォローすることもあり、特定のシークエンスやショットの必要性に応じて変化するので、押し引きのような関係でした。最初の5話までは、常にVFXのレビューに参加していました。そうすることで、そのプロセスにかかる時間の長さを理解し始めたんだ。そして、視覚効果の要素とストーリーテリングのアイデアを理解し、ストーリーがどこから来てどこへ行くのかを理解するために、できる限り没頭しました。

第5話 審判の日は最初の4エピソードの集大成だ。そして、シーズン途中のフィナーレのようなものだ。というのも、第5話以降はストーリーテリングの性質が少し変わるからだ。そして違う展開になる。そして第5話は最初の5話の頂点なんだ。

ソース ラジオタイム

遠隔ビデオ編集の経験について教えてください。

私は思う。 リモートワーク エディターズカットの段階では、私はデイリーにいるので、アシスタントと話すことができ、シークエンスにロケーターをつけて、ある種の肉付けをするよう彼女に頼むことができる。 サウンドデザインどうせ一人だしね。

特に難しいのは、映画でもテレビでもディレクターズカットの部分だと思う。私は レイモンドとレイ ロドリゴ・ガルシアが監督した作品だ。最初のカットは家でやって、その後オフィスで一緒に作業していたんだけど、COVIDのせいでオフィスから締め出されたんだ。

を使用した。 エバーキャスト.また、私たちは長い付き合いで、以前にも直接仕事をしたことがあったので、速記もありました。でも、Evercastで気に入っていることのひとつは、私のアシスタントをストリームに加えることで、ディレクターと編集者の間のダイナミックな動きを目撃できることです。リモート・ワークフローでは）彼らはそれを見逃してしまうことがよくあるからね。

ディレクターズカットの日々はとても激しい。時間が限られているので、監督たちはとても真剣に取り組んでいます。だから私は、できる限りアシスタントを参加させるようにしている。それで、私のリモート状況をデザインした方法は、彼らをエバーキャストの通話に参加させることで、彼らは自分の仕事をすることができ、チャイムを鳴らしたり、ただ聞いたりすることができます。

それは、人々が成長し、学ぶための方法だと思う。リモート編集がますます頻繁に行われるようになっているため、多くのことが失われるのではないかという懸念があります。他の編集者との仲間意識がなくなってしまうのです。

これほど長い期間、同じ素材を再加工するのは難しいことですか？

僕はパズルを組み立てるのが好きなんだ。それに、時には窮地に追い込まれることもあるけれど、それは脱出部屋みたいなものだからね。

(時々）新しいメモを受け取って、私はすでにこの迷路を通り抜け、出口を見つけたと思っていた。窓の位置を変えるから、窓を開けても今までと同じ方向から光が入るようにする方法を見つけろ」と言われたんだ。

しかし、私は自分自身をオープンにすることに挑戦するプロセスを楽しんでいる。編集者として、あなたは観客であり、そのスキルのひとつは、白紙の状態にして、それを拭き取り、新鮮に見ることです。

シークエンスを手早くまとめてアシスタントに送り、しばらく見ないこともある。そして、そのシーンの後や前のシーンができたときに、再検討することもある。

これは、まさに「切り離し」のレッスンなんだ。多くの場合、駆け出しの頃は、素晴らしいシーンを作り、完璧な選択をしたと思っている。

そして時間が経つにつれて、それに投資していないわけではない。でも同時に、最初のアイデアだけでなく、そのプロセス全体に投資しているようなものだから、そこから切り離すこともできる。そして、アイデアが変化していくのが好きなんだ。

俳優と演技に関して魅力的なことのひとつは、ずっと先の段階で、プロデューサーが、"彼女はもっとこうで、こういうところがあり、もっと科学的で、物理学者としてもっと信じられるようなテイクはないか？"と言うことがよくあることだ。

そして最初は、監督が彼女と仕事をした後、『ワオ、彼女はテイク6で本当に情熱的に見えた』と思うだろう。でも、もし彼女が本当に優秀な物理学者だったら、ただ舌を巻くだけで、そんな感情移入はできないだろう。だからプロセスが進むにつれて、『ちょっと待てよ、もう一度他のテイクを見てみようかな。もしかしたら、最初に見落とした何かがあるかもしれない』。

時間が進化すれば、アイデアも進化する。私はそれが本当に魅力的だと思う。サーカスのようなものだ。時には綱渡り、時には空中ブランコ。

VFXのセットピース、特殊なブロッキングや地理、ADRの変更など、難しいシーンにどのように対処しましたか？

時々、こんなこともあった。 アニマテス特にエイザ（ゴンザレス）は肉体的にとても生き生きしていた。特にエイザ（ゴンザレス）は、肉体的にとても生き生きしていた。 だからAniMatteで、フリーズは25%のスピードで、彼女の頭は必ずしも下に動かないし、彼女が鉛筆や新聞を取っていることもわからない。 何度かあったよ。

よし、アップにすれば問題ない』と考えるのは簡単だ。でも、それでは有機的な感じがまったくしない。だから、今思えば難しかったんだと思う。いい形の流れを保ちたかったからね。映画や、特にテレビでは、クローズアップが多用されることがあります。私は、空間の地理的な特徴や、2人の感情的なダイナミズムを保ち、クローズアップを節約したかったのです。

ソース ハリウッド・リポーター

椅子に座るシーンでも、彼女が動いているときは台詞を削除し、カメラの外で座ってから新しい台詞を追加して、それでも収まるようにした。

ADRで厄介なのは、非常に狭いスペース、非常に狭い物理的スペース、そして他の俳優がセリフを始める前の非常に狭いスペースにセリフを追加する場合です。空いているスペースがあれば、いくらでも頭出しをすることができるのですが、相手のセリフの最後にぶつかってしまうことがあるんです。

だから時々、スピードアップもやったよ。ウェイドとダ・シーの別のシーンでは、彼らが何をするか、どうやってハードディスクを手に入れるかを考えているときに、ADRのセリフをたくさん入れたんだ。

編集のパターンとしては、シーンの冒頭にカメラに映らない台詞をたくさん入れることで、人々がそれを期待するように仕向け、ここで新しい台詞が入っても、編集者が最初に提供してくれたのと同じ構造とリズムの一部であることに変わりはない。そうすることで、新しいセリフが挿入されたとしても、それはエディターが最初に提供してくれた構成とリズムの一部なのです。

しっかりした脚本で製作に入ったのですか、それとも非常に流動的だったのですか？

最初はしっかりしていたと思うが、話が進むにつれて、特に第5話では、エピソードの後半に3つの大きなセットピースがあることに気づいたんだと思う。

当初、シーン17は（ボートの）デッキにいて、マイク・エヴァンスがフェリックスと話しているシーンだった。しかし、16のシーンがあり、30分もあるわけですから、どうすればできるだけ緊張感を保てるのでしょうか？エキサイティングな展開が待っていることを観客に伝えつつ、その糸を絶やさないようにする必要があった。だから、その過程でいくつかのことが単純化され、そのためにセリフが追加されたんだ。

ソース ポリゴン

そしてまた、追加撮影をするとわかってからは、『よし、じゃあ、本当に本当に何をするんだ？となっていった。例えば、ジンとウェイドがグリーン・スクリーンを見上げて、ソフィンが陽子について説明し、陽子が展開し、分裂し、空にエッチングされるようなシーンでも、私のアシスタントは ジョシュ・カーリー と彼の妻ジェイミーが臨時のセリフを入れてくれた。

そして、その後もまた変えていった。試合中の空と彼女の顔、どちらがいいのか？それとも、彼女が何かを話し始めたら、別のショットに移るのか。 VFXとサウンドノート、オン・カメラ・ダイアログの非同期 "と、ある時点で狂ったようにマーカーを引いたんだ。

アシスタント・エディターとのリモート・コラボレーションはどのように？

今、あるプロジェクトに取り組んでいて、新しいアシスタントと一緒に仕事をしているんだ、 アラセリ・ロドリゲス・バルガス-編集助手の仕事はとても膨大で、あなたの言う通り、あまり時間がありません。シーンをカットする時間があるというのは、贅沢なことなんだけど、今はそうもいかないんだ。

このビンを開けてもらえますか？このショットを見れますか？このショットの中で、彼はそれを聞いていると思いますか？それとも、今彼が言ったことを彼女が気にしていなくて、彼女が気にしているプライベートな瞬間があることを追跡しているように感じますか？" と質問するんだ。

そうして、カットを始める前に、映像をもとに2人でアイデアを出し合うんだ。また、時には、物事を明確にし、一緒に解決するのに役立つこともある。アシスタントと話し合いながら、"こうしたらどう？"とか、"私もこう見た "とか。とか、"私もそう思った "とか。

というのも、編集の多くは、デイリーを見て、それを読んだときに思っていたものと違っていたとき、編集の多くは、自分のやり方から抜け出すことだからだ。このような悲しみの段階を経て、よし、これが私が持っている映像なのだと受け入れるのです。

編集のために腰を下ろす前に、本当に悩む必要があることがわかったんだ。そして、いざ座ってみると、とても速く編集することができるんだけど、他の先入観を捨てなければならない。

そして、それは彼らの助けにもなると思う。面白いことに、私はアラセリに単刀直入に言ったんだ：「あなたはとても忙しいから、私はあなたを指導して編集者になる手助けをしたい。

でも、彼女はこう言ったんだ。私たちのやり方は、もっと私を助けてくれるの。考えさせられるから。ただ一人でシーンをカットしたりするのではなく、このプロセスは私が実際にシーンにどうアプローチするかを考えさせてくれるの"

人々を魅了し続けるクリエイティブな方法を見つけることは、工芸の将来にとって重要だからだ。

デイリーからファーストカットまで、どのようなプロセスでシーンを作り上げていますか？

少なくとも2、3回は素材を見るし、並んだ台本に従うけど、最初は『セットアップKは本当に最初で、セットアップ601と601Aは実際にはシーンの後半にあるんだ』と理解する。

私はアシスタントにそのようにビンを作らせ、その中でクリップを多かれ少なかれ連続させ、そして評価する：重要な瞬間は？ 偉大な教師であり編集者であったノーマン・ホリンは、それをこう呼んだ。 前傾姿勢:そのシーンを作り上げる瞬間とは？

これは非常に重要で、本当にタイトなショットを撮ることもあれば、ワイドなショットを撮ることもある。

ソース ヴォックス

でも、突然ワイドショットになるのはとても効果的で、誰かの孤独や、彼らがいる空間や、あなたが思っていたほどプライベートな場所ではないということがよくわかる。そしてそれはほとんど息をのむような瞬間となる。多くの場合、人々は、プロデューサーやディレクターは、私たちはすでにクローズアップされているというバイアスを持つので、それを利用するのは難しい。

そのため、ワイドやクローズアップを効果的に活用し、なおかつストーリーを伝える方法を見つけることが、私が何度も参考にすることであり、また、その瞬間に焦点を絞るタイミングでもある。

そして、シーンの重要な瞬間のために特別にデザインされたショットがあることもあるが、そのときに、うわ、その周りのすべてがそのショットにうまく流れ込んでいないことに気づく。

だから、そのショットを使わないか、カットインするか、何かしないといけない。あるいは、監督がこのショットを見たいと思うだろうから、別のバージョンを用意しておく。

また、シーンによっても異なります。デイリーが必ずしも順番に撮影されているわけではないので、あるシーンを撮影して照明が決まったと思ったら、その周りのシーンを撮影して、"しまった、監督はあのドリーを2回ともオープンにしていた "ということがよくあるんだ。だから、どのシーンでそれを使うか選択を迫られるんだ。

あるいは、2つのシーンが背中合わせになっていたり、3つのシーンがあったりする。観客との関係はどうなのか？観客はどこに注目しているのか？観客はどこで同調しているのか？

ビデオ編集者としてのキャリアで他に何を達成したいですか？

今、部分的に韓国語のプロジェクトをやっているんだ。みんなに "通訳はいるの？"って聞かれるんだ。と聞かれるので、「ええ、でも時々台本から外れてしまうことがあるんです。韓国のポストスーパーバイザーにカットを送って、言語に関して正しいかどうか確認するんだ」と言う。

本当に魅力的なのは、すべてを理解するために、デイリーを真剣に一貫して見なければならないことだ。ロゼッタストーンを使うようなもので、こっちの方がいい演技だ、でもここはノイズが多いから別のテイクを使おう、とか。アメリカでは、同じような調性で同じ3音節だとわかっているから、その音節を取ればいいんだ。

韓国語だから、集中して聞いている、聞き直している。なるほど、これは違うように聞こえるが、実は演技がうまいからだ。あるいは、なぜか後のテイクの方がよりキャラクターが立っている。でも、本当はもっと広く撮りたいんだ。だから、その言葉をそこに入れてもいい？収まるのか？そしてそれは同じになるのか？という質問に対する答えにはなっていないけど、他の言語の音に挑戦するのは魅力的なことなんだ。だから私は今、それをやっているんだと思う。